Salonne Gemma
via San Francesco 52a
Trieste

14. 3. > 14. 4. 2009

Opening: Saturday, 14. 3. 2009 at 6.30 p.m.

Sorry but the text is available in Slovene and Italian only.

Negli ultimi vent’anni è stato troppe volte scritto e detto che la pittura è entrata in crisi. É sembrato che le tecniche pittoriche non possano più offrire nuove opportunità di sfida, ma consentano solo la ripetizione e la riproposizione di vecchi e inflazionati modelli. In questo periodo sono state privilegiate quelle tecnologie che la storia dell’arte ha chiamato ‘nuovi media’ . La distinzione fra media nuovi e tradizionali, che sembrava sensata all’inizio, nel contesto dell’arte contemporanea si è rivelata ben presto un modo di riflettere che portava troppo spesso al paradosso o al vicolo cieco. L’ibridazione è diventata parte della vita di ogni giorno e ad essa ci siamo ormai del tutto abituati.  Già da molto, quantomeno nelle società urbanizzate, le più disparate combinazioni, applicazioni e intrecci, sia sul piano fisico,che concettuale e visuale, non costituiscono più niente di insolito. Come gli altri media tradizionali ,anche la pittura si mescola continuamente  con i muovi media, e la definizione dell’arte del passaggio del millennio come ‘arte post mediatica’, sebbene non del tutto riuscita, ha portato nel mercato e nella storia dell’arte ad una notevole riconciliazione. Si è realizzato che ogni tecnica è legata ad un mezzo e che è insensata la distinzione dell’arte in base a vecchi e nuovi mezzi espressivi. La creazione entro una tecnica pura, sia pittorica, fotografica o scultorea è sempre legata ad un determinato contesto, e anche in passato non si procedeva senza condizionamenti reciproci e intrecci. Perciò non c’è nulla di strano se le tecnologie del ventesimo e ventunesimo secolo, nel processo della creazione dell’immagine, si inseriscano nel campo dell’arte in uguale maniera. L’invenzione linguistica di Peter Weibel ha intaccato seccamente solo lo sguardo romantico sul purismo del modernismo.

Paolo Ferluga nelle sue vedute urbane in monocromo azzurro,come si vede dagli stessi dipinti, dipingeva a partire dall’immagine fotografica. Da una parte si tratta della caratteristica prospettiva creata dalla camera oscura , ben differente dall’esperienza diretta visivo - corporea. Dall’altra, è di fondamentale importanza anche la relazione con la realtà, come la comprendiamo nelle immagini fotografiche,  che mantiene ancora  e sempre una forza eccezionale un secolo e mezzo dopo l’invenzione della fotografia. L’autore, con il senso dell’architettura e dei moderni spazi urbani, ha scelto delle viste che mettessero in evidenza anche le attuali relazioni sociali, avvolgendole di una satira sottile, utilizzando segni apparentemente insignificanti, come le scritte pubblicitarie, inserite entro ben più evidenti quinte architettoniche. Ha costruito i quadri come se avesse voluto riprodurre panorami di cartoline di città come Udine, Trieste e Lubiana. Successivamente nei dipinti di Paolo Ferluga si inseriscono anche altri colori. Ha mantenuto il legame con la fotografia, sebbene non rimanga più pienamente fedele al tema della rappresentazione della realtà. È ancora possibile riconoscere l’identità di un determinato luogo sebbene sulla scena comincino a manifestarsi elementi che con esso non hanno più alcuna relazione, in quanto immaginarie costruzioni dell’autore. Sempre più frequentemente si inseriscono nella trama testuale parole di lingue che in ambiente italiano appaiono talvolta come un corpo estraneo, incomprensibili e perfino impronunciabili. Più frequentemente Ferluga usa la lingua slovena, che conosce relativamente bene ed è parte dell’ambito locale al quale egli stesso appartiene, sebbene a causa  delle passate contingenze politiche rimanga quasi totalmente sconosciuta alla maggioranza. In questo modo si stabilisce un duplice rapporto con le parole inserite nei quadri. Per l’osservatore che non conosce la lingua, possono essere solo incomprensibili segni, che però lo invitano alla pronuncia e con ciò al semplice ascolto di un susseguirsi di suoni. Per quelli che capiscono il loro significato diventano un elemento importante per la comprensione degli accenti di satirico e sempre sottile commento alla società moderna.

I quadri più recenti di Paolo Ferluga, che l’autore riunisce sotto il titolo Raznovrstnost, in apparenza si mostrano molto diversi dai precedenti, sebbene sia comunque possibile riconoscere la loro provenienza, nel loro significato formale e concettuale. Una riflessione sugli spazi urbani, sull’architettura e la comunicazione, è  da sempre anche una riflessione sul modo di vivere in un dato ambiente. Nei primi quadri i luoghi sociali apparivano fisicamente e spiritualmente svuotati. Più tardi in alcuni è apparsa la figura umana - l’uomo. Ma con lui, i suoi resti, la confusione  spirituale  e una fitta trama di materiale irriconoscibile, che può ricordare la spazzatura. Ognuno può tentare di indovinare fra sè e sè cosa ha portato l’artista all’interno di questo vortice ipnotico di oggetti, forme e significati più disparati. Ma in nessun modo possiamo tralasciare il fatto che l’uomo urbanizzato è letteralmente sommerso da oggetti, immagini e informazioni. Nelle nostre vite si accumulano incessantemente, fuori dal nostro controllo, tutte quelle cose alle quali non possiamo attribuire una funzione, nè tantomeno un significato. Tutte queste cose sono unicamente referenti a sè stesse,  perfette nell’utilizzo e nell’aspetto. Ma certamente solo per un breve tempo, finchè non ne compare una nuova, peraltro identica, sebbene migliore e ancora più perfetta. Quella che porta ogni volta il futuro nell’istante presente. All’arrivo della successiva, essa si deposita allora nell’ammasso dei sedimenti e, magari un po’ danneggiata, caduta dal trono, quasi mai riesce a risvegliare nell’uomo una qualsiasi forma di sentimento, mescolata agli altri residui in caotici ammassi, che a malapena permettono ancora il riconoscimento delle diverse fasi temporali. Finchè all’uomo comincia a mancare  il proprio spazio vitale  e quindi decide di macinare e ricomprimere tutto questo sudiciume.

Le composizioni nei quadri  ‘Raznovrstnost’ di Paolo Ferluga  sembrano macchie o scarabocchi. Si comportano come mari che si incuneano nella terraferma, sebbene non siamo in grado di stabilire un inizio e una fine, un’entrata e un’uscita , nè tanto meno un centro. Le direzioni dei percorsi  e degli eventi cambiano in continuazione ma alla fine diventa chiaro che questo mondo è immobile. Nel caos che a prima vista suscita disagio, l’osservatore inizia progressivamente a riconoscere forme e cose individualizzate, finchè la composizione si arresta in una forma stabile. E’ l’equilibrio. Ritagli di giornale che mostrano oggetti e parole della vita quotidiana si mescolano con tracce di colore e forme dipinte. Ogni dettaglio preso separatamente sembra essere il frammento di qualcos’altro, sebbene sia in se compiuto. Ricorda forse allo spettatore qualcosa fuori dal quadro, sebbene ogni forma al suo interno sia assolutamente autosufficiente e possa ad ogni nuova occhiata creare relazioni del tutto nuove con le altre. In esse non riconosciamo ferite, mutilazione e sofferenza. Perfino i prezzi, i simboli e i marchi di fabbrica qui si mostrano come sono in verità, non attraverso i mass media. Sono solo numeri, segni senza significati, figurine senza una propria storia. L’autore ha maliziosamente inserito delle allusioni affinchè l’osservatore possa seguirle e crearne di nuove. Però solo quando nega quelle con la pubblicità, sbugiardandole e voltandole le spalle, solo così, purificato, può decifrare un mondo fantastico dall’eterogeneità, come fa la veggente dai fondi del caffè.

Vasja Nagy

]]> http://www.vasjanagy.org/eng/archives/158/feed http://www.vasjanagy.org/eng/archives/135 http://www.vasjanagy.org/eng/archives/135#comments Tue, 16 Dec 2008 23:11:02 +0000 admin http://www.vasjanagy.org/eng/?p=135 Exhibition on Photography

Mestna galerija Piran

19. 12. 2008 > 1. 2. 2009

Opening: Friday, 19. 12. 2008 at 7 p.m.

Participating artists:

Aleksandra Vajd & Hynek Alt, Arven Šakti Kralj Szomi, Barbara Milavec, Romina Dušić, Boštjan Pucelj, Bojana Tomše, Marketa Kinterova, Marketa Othova, Tilen Žbona, Borut Peterlin, Tanja Lažetić, Kiki Omerzel, Dejan Habicht, Špela Kasal, Peter Koštrun, Saša Štucin, Manja Zore, son:DA, Lorena Matic, Artgroup RGB, Antonio Živkovič, Tanja Verlak, Jernej Humar, Andrej Tisma, Jenny Rova, Roy Lagrone, Peter Tillessen, Günther Selichar, Marco Citron, Vlasta Delimar, Ulay, Helen Sear, Hermes Payrhuber, Anita Witek, Bojan Radovič, Ewald Maurer, Tamara Horáková, Michele Spanghero, Emilie Delugeau, Ernst Logar, David Vatovec, Janez Pelko, Dragana Jurišić, Anita Pavlič, Mahony, Herwig Kempinger, Jasna Klančišar

Texts in publication contributed by:

Sylvia Grace Borda, Andraž Beguš, Ruth Horak, Vasja Nagy

After the exhibitions Intimate (2006), that dealt with intimacy in contemporary photography and Photographs (2007), which pointed out issues between photography as medium and physical reality, this year Vasja Nagy as guest curator at Obalne galerije Piran realises another thematic exhibition on photography.

Through numerous questions that arise at encounters with this, in modern times so omnipresent and popular medium we keep discovering new meanings that occur around it. In the Intimate exhibition mostly documentary photographs representing objects, spaces and people were shown, while Photographs presented photographs as autonomous art objects that seem to be more connected to painting and computer graphics than to classical world of photography. Main topic was reduction of the object of photography.

This year’s project is penetrating even further through photographic substance. Instead of just hanging pictures in a gallery space will explore space beyond the objects made of paper, celluloid or light, but still remains connected to photography and photographic mind.

For the exhibition, artists who express through photography, and theorists, with an interest in photography were invited to this exploration and the set-up together with the publication will show that a photograph is most present when there is no photograph.

Artists:
Andraž Beguš, Robertina Šebjanič, Uršula Berlot, Artgroup RGB

Curator: Vasja Nagy

The exhibition is a part of Space for new dialogue, conceptualised by Sanja Kojić Mladenov, curator of Museum of Contemporary art Vojvodina. In the project that consists of a residency, presentations, international exhibitions and publication is taking part more than 50 artists and curators.

The body of light is a selection of artpieces by artists who research and work with light as structural element. In the work of Andraž Beguš, Robertin Šebjanič, Uršula Berlot, Artgroup RGB the light takes form of an authonomous substance through different techniques and approaches and arbitrarilly, or just it seems so, appears. In the work of Robertina Šebjanič it subtely becomes a ficction through the medium we willingly believe, Andraž Beguš creates photographs in which light automatically appears in elementary form, in Uršula Berlot’s work amazes us through a phantasmic presence in the space, in the ambience by Artgroup RGB sets up an active dialogue with the viewer but expects inicial passivity.

whole text from catalogue >>>

Andraž Beguš
Nikon D50 ISO 1600 30 sec. (from series Temnica/Darkroom), 2008, set-up of photographs, 11 photographs ( 30×45cm each)

Robertina Šebjanič
Bubble, 2008, multiple channel video installation of 5 TV sets

Uršula Berlot
Odsev / Reflection, 2008, ambiental installation with plexiglass and light

Artgroup RGB
Buda box, 2008, interpasive ambient

Museum of Contemporary art Vojvodina, Novi Sad (Serbia)

20. september - 4. oktober 2008

Conceptualised by Sanja Kojić Mladenov, curator of MSUV

Participants:

Dan Mihălţianu (Berlin), Dan Perjovschi (Bucharest), Ion Grigorescu (Bucharest), Lia Perjovschi (Bucharest), Atanas Botev (Skopje), Slavčo Spirovski  (Skopje), Aleksandar Stankovski (Skopje), Mednarodni projekt Glogal, projekt Picture-Text, Artgroup RGB (Ljubljana), Robertina Šebjanič (Ljubljana), Andraž Beguš (Ljubljana), Uršula Berlot (Ljubljana), Željko Badurina (Zagreb), Ivica Malčić (Zagreb), Mitar Matić (Rijeka), Ines Matijević (Osjek), Toni Meštrović (Kaštel Gomilica), Mednarodna umetniška skupina OKUP - Agnès Bourgeois (Strasbourg), Audrey Cavelius (Lausanne), Ivana Cerović (Strasbourg-Novi Sad), Carole Deltenre (Strasbourg), Natalia Grabundžija (Paris), Danijela Jović (Bruxelles), Marion Rinaudo (London-Jerusalem-Strasbourg), Jean-Grégoire Spaeth (Bruxelles-Strasbourg), Pauline Squelbut (Strasbourg- Paris), Marie Storup-Canabié (Barcelona) in Marie Szersnovicz (Bruxelles), Stevan Kojić (Novi  Sad), Maja Josifović (Belgrade), Dimitrije Tadić (Belgrade), Art klinika (Novi  Sad), Nenad Mikalački (Novi Sad), Ileana Pintilie Teleaga (Timişoara), Nebojša Vilić (Skopje), Ksenia Orelj (Rijeka), Vasja Nagy (Koper), Svetlana Mladenov (Novi Sad), Sarita Vujković (Banja Luka), Sylvia Grace Borda (Belfast) in J. Keith Donnelly (East Kilbride)

Programme:

17.00 - 18.30

CINEMA OF MSUV

Presentations by participants of  Space for new dialogue

19.00

EXHIBITION SPACES OF MSUV

Openings of exhibitons:

Naming the impossible - Ileana Pintilie Teleaga (Timişoara)

Artists: Dan Mihălţianu (Berlin), Dan Perjovschi (Bucharest), Ion Grigorescu (Bucharest), Lia Perjovschi (Bucharest)

Sketches - Nebojša Vilić (Skopje)

Artists: Atanas Botev (Skopje), Slavčo Spirovski (Skopje), Aleksandar Stankovski (Skopje)

The body of light - Vasja Nagy (Koper)

Artists: Artgroup RGB (Ljubljana), Robertina Šebjanič (Ljubljana), Andraž Beguš (Ljubljana), Uršula Berlot (Ljubljana)

Profession artist - Ksenija Orelj (Rijeka)

Artists: Željko Badurina (Zagreb), Ivica Malčić (Zagreb), Mitar Matić (Rijeka), Ines Matijević (Osjek), Toni Meštrović (Kaštel Gomilica)

CENTRE FOR VISUAL CULTURE “ZLATNO OKO“

International manifestations of visual arts in Vojvodina 1994 - 2004 - Sanja Kojić Mladenov (Novi Sad), documents

20.00

MANUAL FORGOTTEN ARTS MUSEUM in KINESKA ČETVRT

art happening

Polygon - Svetlana Mladenov (Novi Sad)

Artists: Mednarodna umetniška skupina OKUP - Agnès Bourgeois (Strasbourg), Audrey Cavelius (Lausanne), Ivana Cerović (Strasbourg-Novi Sad), Carole Deltenre (Strasbourg), Natalia Grabundžija (Paris), Danijela Jović (Bruxelles), Marion Rinaudo (London-Jerusalem-Strasbourg), Jean-Grégoire Spaeth (Bruxelles-Strasbourg), Pauline Squelbut (Strasbourg- Paris), Marie Storup-Canabié (Barcelona) in Marie Szersnovicz (Bruxelles), Stevan Kojić (Novi  Sad), Maja Josifović (Belgrade), Dimitrije Tadić (Belgrade), Art klinika (Novi  Sad), Nenad Mikalački (Novi Sad)

Pozivanje Javnosti - Sylvia Grace Borda (Belfast) and J.Keith Donnelly (East Kilbride), International project Glocal and exhibition Picture-Text

Studio Tommaseo, Trieste

4. september > 8. november 2008

The Triestine artist, Massimo Premuda, presents his most recent photographic work for the 4th edition of the international festival “triestèfotografia“, organized by the Cultural Association Juliet. The exhibition curated by Vasja Nagy examines the possible relationships between guinea-pigs and popcorn. It investigates popcorn, interpreting it as an explosion of vitality and sexuality.

It’s a well known fact that a kernel of corn, when heated, generates an internal pressure which increases to the point of creating a sudden, mini explosion, pushing the endosperm of the seed towards the exterior, which becomes that light, white foam which gives popcorn its classic look; to the contrary, the kernels which do not explode are called “old maids”.

Curiously, a particular habit of guinea-pigs of jumping to express happiness, satisfaction and sexual excitement is also called “popcorning.” These small rodents, in fact, make a sharp movement - they arch their backs and stretch out their paws, as if they’re about to buck - very similar to the reaction of kernels of corn when they’re heated.

Hence the idea of the young artist, Premuda, of creating works which confront these two improbable and fascinating ambits, vegetable and animal, in his first important personal exhibition (curator: Vasja Nagy). In the exhibition in Trieste, which can be visited until the beginning of November, this unusual, “fantastical” pairing is explored through new works, photographic enlargements, video comments and bizarre and futuristic hypotheses for tenements for guinea-pigs in the form of “animal architecture”.

a production of L’Officina and  Trieste Contemporanea
with the participation of Casa dell’Arte of Trieste
and the contribution of the Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia

opening: Thursday, September 4, at 6:30 p.m

Studio Tommaseo
Institute for the documentation and promotion of the arts
open from Monday to Saturday, 5 - 8 p.m., free entry
34121 Trieste, via del Monte 2/1

www.triestecontemporanea.it

tel. 040 639187, <tscont@tin.it>

Text from the catalogue:

On guinnea pigs and microwave ovens

One of the main characteristics of the works of Massimo Premuda, both earlier and more recent, is certainly a feeling for theatricality. This does not of course mean dramaticising themes dealt with but the manner of telling stories that stress some aspect of modern society. But it is not just contemporaneity, thus the time of creation of what determines these stories but also the space in which the artist lives. Let me withdraw here a bit from directly commenting on the works set up in Studio Tommaseo, since I believe that designing micro stories is a very frequent phenomenon in contemporary art. It has already been said that all great themes have already been sung and that today they are banal, but I see things differently. At a time when there was a lower level of literacy and other formal education in society, this took place precisely through official great stories. The everyday was decoded mainly through archetypes within very personal narratives and everyday life. Artistic work is not necessarily thematicised with archetypes, but those that at least decisively alluded to them are less hermetic for understanding. Works are also often defined by the genius loci and perhaps this is a way of seeking their own identity in a decentred world. Some of the works of Massimo Premuda, such as Craquelé linguistico (2005), in which he compares onomatopoeic expressions in Slovene and Italian, deal with local themes, although they do not do this in a local manner.

However, we return to theatricality in Premuda’s works, which I understand in the sense of staging. Among techniques of the visual arts, this approach, apart from performance and perhaps also installations, is best suited to video and photography. Above all, the relation to physical reality is important here, which appears with the perception of the images. Both photography and video in their basic forms cannot exist without this reality. It represents for them the same as brush strokes for painting. In this approach, we can distinguish between a tendency to documentation and s tendency for staging. In the first case, physical reality is eloquent in its directness, but in the second it is clearly and above all a tool for executing fiction. The staging approach in video and photography is closest to the techniques of animation and puppet theatre. Missimo Premuda’s work Depongo (2005) is most reminiscent of the latter, which was executed on the basis of a theatre proposal entitled Colori by the futuristic artist Fortunato Depero.

Pop corning, too, a project for Studio Tommaseo is a unique staging. The difference with previous projects is mainly that instead of previously prepared objects, a living being on this occasion appears as a symbolic object - a guinea pig. In the work Picole grandi icone crescono (2007), which comments on certain forms of human sexual behaviour, he used figurines of ‘Smurfs’, which were taken over from a popular children’s animated series by the manufacturer of even more popular chocolate eggs. The situations that Premuda constructed with them and the stories that these situations evoked are only the clearest layer of meaning of these images. However, it is not there a matter of any figure, but figurines which have their own place in everyday life, or at least in the memory of life of a particular generation. In addition to other connotations, the figurines from these chocolate eggs represent individual examples or even whole collections of, so to speak, real household pets, which the owners jealously guard. In the photographic composition, instead of the objects this time appears an animal. The guinea pig is here a background figure which occupies a cell structure reminiscent of a specimen of the dwelling of urbanised man. The animals act naturally in coincidental positions. The positions are in themselves empty of meaning, but we can recognise in them situations from human everyday life.

Popcorning is an expression which characterises a peculiarity in the behaviour of a guinea pig that sometimes, when it feels good, suddenly leaps, which is supposed to be reminiscent of an explosion of popcorn in a hot pan. With simple word play and concealed humour, in the second part of the installation the author shifts the view to the interior of some life. Using analogies such as the explosion of popcorn, which is caused by the water in them and changes them into soft, tender flakes, and in the visual-conceptual link to a graceful animal from over the seas, he incites feelings which, through abstract concepts, lead to feelings of the physical. Even the view of a blown up pop corn paper bag detonating in a microwave oven can conjure up a gut feeling and major disquiet.

In this distortion from the external view of a scene to opening the inner world, the author’s relation to form and aesthetics also changes. The former, almost Disney-like, pop-animation aesthetic criterion is now replaced by directness. Hypertrophic corn flakes even function slightly crudely. In the organicness with which they address the viewer, it is even possible to perceive links with the erotic from Premuda’s previous projects. It is also present in this work in the form of teasing humour. Although not scientifically confirmed, some believe that popcorning with guinea pigs is connected with sexual maturity and is always a rarer phenomenon with an older animal. On the other hand, in industry, the expression »le vecchie zitelle« (old aunts) has come to be used for non-expanded grains of popcorn.

Massimo Premuda does not of course offer answers and solutions for everyday life in this work. In his already recognisable style he comments on some behavioural patterns in society and with convincing visual language sets before us charming images, which conceal under their sugary exterior also layers of other aromas and tastes.

Vasja Nagy

Translated by Martin Cregeen